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So wahr und gut es wäre, den Kindern frühzeitig Geographie zu lehren, so bin ich doch der Meinung, daß man mit den nächsten Umgebungen der bildenden Natur anfangen müsse.
Alles, was auf ihre Augen und Ohren Eindruck macht, erregt Aufmerksamkeit:
Sonne, Mond und Sterne, Feuer, Wasser, Schnee, Eis, Wolken, Gewitter, Tiere, Pflanzen und Steine.

Johann Wolfgang von Goethe zu Dietmar, Juli 1786

 

Dieses Zitat Goethes drückt die essentielle Faszination für Wolken, Wasser, Natur und Landschaft aus, welche den Künstler Helge Emmaneel seit seiner Kindheit begleitet und sich bis heute in seinen Werken wiederspiegelt. Besonders das Sujet Wolken prägt sein aktuelles künstlerisches Schaffen. Das Augenmerk für das Flüchtige der Formen am Himmel zeigt sich bildnerisch als ein Begriff von Natur, der ihre Unberührtheit und das Unbeeinflussbare beinhaltet: Entgegen ihrer Unfasslichkeit weisen sie Größe und Masse auf, setzen sich in Szene, verweisen meteorologisch auf Zukünftiges, Gegenwärtiges und Vergangenes, bergen im Werden und Vergehen einen Zeitfaktor, der auf das Außerzeitliche hindeutet. Wolken existieren als Begriff über tausende und als Sache über abermillionen Jahre hinweg. Ihre „Materialisierung“ selbst malt – im Verlauf ihres Sich-Ausbildens und Umbildens – Augenblicke der Verdrängung, arrangiert gleichsam Zeitzonen der Konstanz und formt doch parallel in die bewusste Perzeption hinein die Lücke und Leere eines gerade noch angestammten Platzes. Es bleiben Eindrücke von Brüchen, Schroffem, von Zerrissenem und Zerfetztem. Es bleiben aber auch Wahrnehmungen von Weichheit und Anmut, von Bewegungen im Licht. Dieses Sich-Verändernde, Überlagernde, das In- und Auseinandergehende veranschaulicht Emmaneels klassische Pinsel-Öl-Leinwand-Handhabung, die mit Schichten arbeitet und Effekte wie Tiefe und Schimmer hervorruft, welche ein intensives Raumgefühl bewirken.

Emmaneels Malerei und seine Zeichnungen stellen nach der lange favorisierten Photographie ein anderes Ausdrucksmittel sowie eine neu justierte Ausrichtung seines künstlerischen Schaffens dar. Herausfordernd indes ist für den Betrachter die Handhabe der Kolorierung. Seine Bilder sind zumeist geprägt von einem minimalistischen Farbtonbogen, der sich wie in Sequenzen über seine Arbeiten hinwegspannt. Diese Orientierung auf eine bestimmte Färbung hin ist der ursprünglichen Selbstbegrenzung auf Grautöne aus Schwarz- und Weiß-Mischungen geschuldet. Später erst kamen Blau und Grün hinzu, die nun gemeinsam mit den monochromen Grautönen die reduzierte Farbpalette formieren, die es Emmaneel ermöglicht, durchweg den Fokus auf die Form beizubehalten. So abstrahiert er die konkrete Beobachtung der Wolken in ein Spannungsverhältnis, welches sich dem schnellen Blick aufdrängt. In der ausgedehnten Betrachtung der Nuancen des Grautons aber wird es als eine kontemplative Interaktion von imgago und figmentum sinnfällig. Zudem erlaubt das künstlerische Verfahren einen Hintergrund, der die Lichtverhältnisse innerhalb einer Wolke ausleuchtet. Es lässt wahrnehmbar werden, was sich dort – während des Moments von Werden und Vergehen – ereignet, wo für die meisten Betrachter, in der Kürze des Anblicks, nichts passiert.

Emmaneels bewusste Aufteilung des im Bild verfügbaren Raums wird über die Anordnung des Miteinanders von Wolken, Landschaften und wenigen, ausgewählten Motiven ersichtlich. Vor allem Landschaften, die noch nicht kultiviert wurden, sind wie ein bildnerisches Statement zu lesen. Demgemäß wird die Natur nicht als rein zivilisatorische Herausforderung betrachtet. Vielmehr ist es das nahezu andächtige Verweilen in ihr, welche das Besondere im Allgemeinen generiert. Reduktionslogisch inszenierte Flugzeuge und Häuser vermitteln methodisch konsequent die Einsamkeit, die durch Entfremdung und Entzauberung von Natur entsteht. Insofern kontrastiert hier das unpassend anmutende Zivilisatorische die stets präsente Naturauffassung. Vögel hingegen symbolisieren, Teil einer kaum noch unberührt existierenden Natur zu sein. Sie klingen im Rezipienten als das eigene Naturhafte und als Allegorie auf die Bewegungsfreiheit nach.

Schließlich verfährt der Künstler, ähnlich wie bei der Farbgebung, auch mit den Mikro- und Makrostrukturen dessen, was Wolken konsistent sein lässt. Einzelne oder in ihrer Bewegung gespiegelte Wassertropfen exemplifizieren das Kleine im Großen, wenn hinter der Substanz einer Wolke sie selbst als Kulisse ein Ensemble von Dimensionen auffährt, dabei die Schönheit des Ephemeren vermerkend – Pfützenspiegel, Dunstdämpfe, Regengebilde, Wasserwalten, Meerestreiben, Windeswandern, Luftszenen, Eindrücke von Kälte und Wärme sowie Licht- und Schattenflüsse: Helge Emmaneels Bilder sind sichtbare Aufenthalte an Wolkenorten.

(Judith Beck)

 

 

 

Deceleration of the landscape until sea and sky converge

Helge Emmaneel`s photographic painting of light

The view extends out across the ocean. Turquoise reflexes shimmer in almost indiscernibly rippling water, a light, almost white sky unfolding overhead. On the horizon, where the elements water and air, the colors blue and white, and the phenomena of sea and sky, movement and tranquility meet the image of the landscape becomes an abstraction. The photographic composition outlined above which Helge Emmaneel created in 2002 is austerely entitled 13 C. The laconic designation points to two consistent aspects in his work: the serial pursuit of his subject matter and a deliberate abandoning of narrative motifs in favor of an expanded mode of perception. The ocean and the topography of the land on the water’s edge are central themes of the photo artist who, born in Essen, grew up in the German Ruhr district and has been residing in Hamburg since 1996. The inexhaustible changeability of the sea, which is transformed every second and with every surging wave, continues to captivate Emmaneel. In his photographic series he makes this fascination intensely palpable.

 

In the course of his excursions to the landscapes of the Baltic and the North Seas, to Scotland or the Canary Islands, he has sought the “abstraction of chance,” the moment in which “colors and forms of nature, the coincidental interplay of light, clouds, and wind” are condensed before the photographer’s eye into a compositional whole. In his cycle of Seascapes from 2001 the contours between the gentle violet and azure nuances of the ocean merge with the delicate blue of the sky. Sea and sky are no longer clearly distinguishable – they form a unity. The scenarios dissolve into soft horizontal segments, which appear both geometric and organic in the manner of the oscillating color field paintings of Abstract Expressionist Mark Rothko. Emmaneel’s Seascapes are also literally Seescapes in enabling the viewer to perceive nature and landscapes in new and different ways.

 

The artist explores the terrain of painting with his camera in several respects. His photographs do not only have a painterly quality in a formal sense. With regard to their content as well they are resonant with the rich tradition of landscape painting, which has fundamentally shaped our concept of nature and the landscape. If one wished to ascribe Emmaneel’s Seascapes to a particular movement in art history, then one might find that these works display a distinctly larger affinity to the expansive, yearning-filled nature renditions of Romanticism than to the atmospherically charged vistas of Dutch landscape painting in which dramatic cloudy skies and churning waves constitute the backdrop for allegorical references to the evanescence of earthly existence and the power of faith.

 

As his work indicates, Emmaneel has been influenced by the famous English Romantic “painter of light” William Turner, who spread nature’s transitory spectacles of water, wind, and clouds across the entire canvas, thus becoming the forerunner of abstract modern painting. Already early on the photographer schooled his artistic sense of sight on Turner’s landscapes liberated to the verge of abstraction. In contrast to Turner, however, Emmaneel’s images rarely feature stormy weather. The photographer’s flowing landscapes rather evoke the contemplative mood of Caspar David Friedrich’s shimmering ocean panoramas opening out into infinity – coupled with an almost graphically defined deconstruction of the motif: a dialectical simultaneity of subtle undercurrents, painterly composition, and minimalistically clear pictorial structure. In this respect, Emmaneel’s series bear a kinship to the Seascapes of the Japanese photo artist Hiroshi Sugimoto. Sugimoto, who, according to Emmaneel, has had a strong impact on his photographic approach, captured the ocean in boundlessly serene, almost still life-like image sequences of picturesque beauty, which at the same time display a high degree of condensation and abstraction.

 

Even though painting never ceased to exist in the past decades and in the last years has vehemently been revived, up to now the traditional genres of painting – from the portrait to the landscape – have been adopted and revitalized particularly by photo artists. In so far, with his focus upon seascapes and landscapes Emmaneel follows a current tendency in art, yet ventures one step further into the realm of painting by depicting the ephemeral states of nature in a manner which makes these themselves appear like painting in the medium of photography. Apart from Turner’s groundbreaking conception of the spectacles of nature, Emmaneel also mentions Gerhard Richter’s painted representations of photographic images as an aesthetic point of orientation. In the characteristic blurriness of his paintings Richter visualizes an “incomprehensible reality,” which for him is linked with “vagueness, uncertainty, elusiveness, partiality.”

 

Emmaneel in turn works with the inherent unpredictability of his subjects – sky, sea, landscape – which he records at the point in which these momentarily constitute a picture. He frequently works with extremely long exposure times, taking his pictures with a hand-held camera and creating blurred effects deliberately through movement. The fuzziness brings about a magical conflation of colors and forms, punctuated by the graphically filigree textures of waves, dunes, grass, and other peculiarities of the landscape – in Emmaneel’s words: “The phenomena lose their natural character and are transformed into fantasy images.” The photographer proceeds in a similar manner in series in which he traces the landscapes of memory in the Ruhr district where he spent his childhood and youth – a railroad bridge, an abandoned coalmine, or a much-trodden circular path through the woods: places in which Emmaneel attempts to make present a segment of bygone time, well knowing that time itself is in a state of constant flux just like the ocean. The artist’s photographic “painting of light,” in which the landscape as such is fluidized and transformed, makes the notion tangible that nothing remains as it was and that everything is always in motion, even if a temporal moment might be captured in a picture. Helge Emmaneel’s poetic deceleration of the landscape also prompts the viewer to pause for a moment, to break out of the artificial frenzy of modern life for the interval of a wave pounding the shore, and to become aware of his or her own existence and its rootedness in nature, which is incessantly changing and renewing itself.

Belinda Grace Gardner